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Le Palais Galliera présente jusqu’au 14 février 2027 une très belle expo : Un vestiaire à soi. Féminités dissidentes au XIXe siècle, une exposition consacrée à l’appropriation du vestiaire masculin par les femmes, depuis les simples emprunts à la mode jusqu’au travestissement et à la remise en question des normes de genre.
Informations et réservations sur le site du Palais Galliera.

L’exposition

Dès l’entrée, caricatures et textes d’époque donnent le ton : les femmes qui s’habillent comme des hommes menaceraient l’ordre social, perdraient leur féminité et finiraient par vouloir les mêmes libertés qu’eux. Des discours (de vieux réacs) qui n’ont malheureusement pas pris une ride en 2026 !

Le parcours débute avec l’anglomanie, puis s’attarde longuement sur les tenues d’amazone avant d’aborder le pantalon, les vêtements de sport et de travail, les influences militaires, le costume tailleur et les costumes de scène.

On découvre ainsi comment les femmes se sont progressivement approprié des vêtements masculins pour travailler, voyager, faire du sport ou simplement gagner en liberté de mouvement, mais aussi comment certaines ont défié beaucoup plus directement les conventions de leur époque.

Ce que je n’ai pas aimé (parce qu’il faut bien pinailler)

Le déséquilibre entre les différentes parties de l’exposition. L’anglomanie, pourtant bien présente dès les années 1780, n’est illustrée que par une gravure avant de passer aux vêtements du XIXe siècle. Quelques véritables robes redingotes du XVIIIe siècle auraient été bienvenues pour comprendre certaines origines du sujet.

À l’inverse, les amazones, ces tenues féminines d’équitation, occupent une place considérable. Les pièces sont magnifiques, mais le sujet reste assez attendu et surtout consacré aux femmes riches (l’équitation au XIXe et au XXe siècle, ce n’était pas à la portée de la classe moyenne). J’aurais largement préféré voir davantage de place consacrée aux femmes qui vivaient en vêtements masculins, aux militantes qui ont bravé les interdits et parfois payé cher leur audace. Pour une exposition consacrée aux féminités dissidentes, il y avait de quoi creuser et mieux faire connaître ces femmes effacées de l’histoire.

Enfin, deux datations m’ont fait tiquer : une veste d’équitation présentée comme datant du début du XVIIIe siècle, et un costume marin daté vers 1895. Des attributions erronées qui surprennent dans un musée de la Mode, d’autant plus que les erreurs sont assez voyantes.

Ce que j’ai aimé

La richesse des collections et l’intelligence de la scénographie ! Malgré les espaces relativement modestes de Galliera, il y a énormément de choses à voir, avec de très belles pièces, notamment plusieurs uniformes de cantinières qui rappellent que les femmes ont toujours participé, à leur manière, aux guerres et aux armées.

La garde-robe personnelle de Rosa Bonheur mérite également le détour, tout comme les nombreuses photographies et les documents qui accompagnent les vêtements.

J’ai aussi beaucoup aimé qu’on voie des vêtements de travailleuses et globalement des garde-robes populaires (même si elles avaient un goût de trop peu).

Mais le véritable coup de cœur reste la fin du parcours. Une salle entière présente des photographies anonymes de femmes habillées de manière masculine, parfois très sérieuses, parfois riant franchement devant l’objectif. Une manière émouvante de rappeler que cela ne concernait pas seulement quelques personnalités excentriques, mais des personnes bien plus nombreuses dont l’histoire n’a pas gardé beaucoup de traces.

Enfin, un très beau film vient conclure l’exposition avec une touche de poésie et de modernité particulièrement touchante.

Conclusion

Au final, c’est probablement l’exposition la plus engagée que j’aie vue au Palais Galliera : et ça fait du bien ! J’aurais néanmoins aimé qu’elle ose aller encore plus loin dans les parcours militants et les transgressions vestimentaires, mais elle propose un regard passionnant sur le XIXe siècle, avec des résonances très actuelles. Une exposition que je vous recommande chaudement !

Je vous laisse avec mes deux pièces préférées de l’expo :

Et quelques bonnes photos que j’aimerais aussi vous partager :

Until February 14th, 2027, the Palais Galliera is hosting a really lovely exhibition: Un vestiaire à soi. Féminités dissidentes au XIXe siècle (A Wardrobe of One’s Own. Dissident Femininities in the 19th Century), devoted to women’s appropriation of the male wardrobe, from simple fashion borrowings all the way to cross-dressing and the questioning of gender norms.
Information and bookings on the Palais Galliera website.

The exhibition

Right from the entrance, period cartoons and texts set the tone: women who dress like men supposedly threaten the social order, lose their femininity and will end up wanting the same freedoms as men. Speeches (from grumpy old reactionaries) that sadly haven’t aged a day by 2026!

The tour begins with Anglomania, then lingers at length on riding habits before moving on to trousers, sportswear and workwear, military influences, the tailored suit and stage costumes.

You discover how women gradually adopted men’s clothing to work, travel, play sports or simply gain freedom of movement, but also how some of them challenged the conventions of their time far more directly.

What I didn’t like (because you have to nitpick a little)

The imbalance between the different sections of the exhibition. Anglomania, although already well established in the 1780s, is illustrated by a single engraving before jumping to 19th-century clothing. A few actual 18th-century redingote gowns would have been welcome to understand some of the origins of the subject.

On the other hand, riding habits, those women’s equestrian outfits, take up a considerable amount of space. The pieces are gorgeous, but the subject is rather predictable and mostly concerns wealthy women (in the 19th and 20th centuries, horse riding was out of reach for the middle class). I would much rather have seen more space given to women who lived in men’s clothing, and to the activists who defied the bans and sometimes paid dearly for their daring. For an exhibition about dissident femininities, there was plenty to dig into and so much more to share about these women erased from history.

Finally, two datings made me raise an eyebrow: a riding jacket presented as early 18th century, and a sailor outfit dated around 1895. Mistaken attributions that are surprising in a fashion museum, especially since the errors are rather obvious.

What I liked

The richness of the collections and the clever exhibition design! Despite Galliera’s relatively modest spaces, there is a huge amount to see, with some very beautiful pieces, including several cantinière uniforms reminding us that women have always taken part, in their own way, in wars and armies.

Rosa Bonheur’s personal wardrobe is also well worth the visit, as are the many photographs and documents displayed alongside the garments.

I also really enjoyed seeing working women’s clothing and, more generally, working-class wardrobes (even if they left me wanting more).

But my real favourite is the end of the tour. An entire room displays anonymous photographs of women dressed in men’s clothing, sometimes very serious, sometimes laughing openly at the camera. A moving way of reminding us that this wasn’t just about a few eccentric personalities, but about far more people whose stories history has barely kept a trace of.

Finally, a beautiful film closes the exhibition with a particularly touching blend of poetry and modernity.

Conclusion

All in all, it’s probably the most committed exhibition I’ve seen at the Palais Galliera: and it feels good! I would still have liked it to dare go even further into activist journeys and clothing transgressions, but it offers a fascinating look at the 19th century, with very topical echoes. An exhibition I warmly recommend!

I’ll leave you with my two favourite pieces from the exhibition:

And a few nice photos I’d also like to share with you:

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English version

*** English version below ***

« Le musée des Arts décoratifs présente sa première grande monographie dédiée à Paul Poiret (1879-1944), figure incontournable de la haute couture parisienne du début du XXe siècle. Considéré comme le libérateur du corps féminin pour l’avoir décorseté, Paul Poiret a rénové la mode. »

Voici les quelques mots qui présentent l’expo « Paul Poiret, la mode est une fête » qui a actuellement lieu au MAD. J’ai longtemps hésité à aller voir cette exposition, car quiconque vit au XXIe siècle et s’intéresse à la mode ancienne sait que Paul Poiret est un créateur très problématique. J’ai finalement décidé d’y aller avant de juger, et… j’en suis ressortie choquée par cette master class de colonialisme décomplexé et d’appropriation culturelle glorifiée.

Explications :

Paul Poiret peut-il encore être exposé comme le MAD le fait en 2025 ?

Réponse : NON.

Poiret est souvent présenté comme un visionnaire de la mode, un artiste audacieux qui aurait libéré le corps féminin du corset au début du XXe siècle. C’est en tout cas le récit que nous propose le Musée des Arts Décoratifs (MAD) dans son exposition « Poiret, la mode est une fête », ouverte en 2025. Mais à la lumière des outils critiques du XXIe siècle, notamment ceux qui permettent d’analyser les rapports coloniaux, l’orientalisme et l’appropriation culturelle, cette célébration sans nuance interroge profondément.

Mais, commençons par le début, dès l’arrivée, nous sommes accueillis par ce texte :

Okayyyyyyyyy ! Et ça c’est du ton admiratif et totalement dépolitisé. Paul Poiret est qualifié de « roi de la mode », de « novateur », de « personnage romanesque ». Un joli résumé de ce que sera l’exposition : un hommage plein de ferveur pour cet homme qui a allégrement pillé les cultures non occidentales, sans jamais convoquer la moindre voix critique ni présenter ces « inspirations » sans lesquelles il ne serait rien.

Balade en plein colonialisme

On continue la visite. Les mots qui jalonnent le parcours — « fantasme oriental », « exotisme », « puissance onirique », « quête d’authenticité » — trahissent une fascination intacte pour l’imaginaire colonial. On ne parle ni de colonisation, ni de domination, ni même de contexte politique. Il ne faudrait pas fâcher les personnes qui veulent juste voir des belles étoffes arrangées avec goût sans se poser trop de questions. Le visiteur est invité à admirer, sans distance, un homme blanc qui a puisé dans les cultures d’Asie et d’Afrique du Nord, pour en faire de « l’art moderne » et être admiré pour ça.

« Mandchoue », « Exotique », « Martinique ». Des noms de robes qui racontent l’effacement de cultures entières, réduites à des silhouettes à fantasmer. Et les cartels ? Pas de réelle mention mention d’une tradition textile, aucun dialogue culturel : peut-être parce que, justement, Paul Poiret s’en souciait moins que créer de la « nouveauté » pour ses riches clientes européennes blasées par la mode européenne ? Mais dites-moi les équipes du MAD, on est plus au début du XXe siècle en fait.

Certes, pour dépoussiérer un peu le truc, l’expo appose en face des vêtements anciens des créateurs plus récents pour montrer à quel point Poiret a inspiré. Donc… pour résumer : la culture non-européenne a inspiré Poiret, et Poiret à inspiré des créateurs de mode modernes. Du balais les cultures en question, la mode est une chose sérieuse, on ne va pas vous citer quand même, non mais ! Et allons jusqu’au bout de la blague, étant donné que certains de ces créateurs sont, eux aussi, hautement problématiques.

Allez, on continue encore :

C’est qu’il nous manquait encore le pillage travesti en « voyage artistique » dites-donc ! Poiret est présenté comme un explorateur curieux, un esprit libre enrichi par les voyages. Sa croisière de 1910 en Méditerranée — à travers des territoires alors colonisés ou semi-colonisés — est décrite comme une « mission de recherche destinée à servir la mode ». Il y « observe » des turbans, des sarouels, des broderies, pour ensuite les réinterpréter à sa guise. Ce cartel illustre de manière frappante le regard colonial romantisé et l’appropriation culturelle revendiquée sans détour, sous couvert de “quête d’authenticité”. Paul Poiret ne collabore pas avec des créateur·ices locaux·les, il ne crédite pas ses sources, il ne restitue rien. Il prélève, extrait, transforme, et signe le tout de son nom (parce que c’est lui le boss on vous dit !).

Une exposition qui perpétue le récit colonial

Ce que le MAD semble oublier — ou taire délibérément —, c’est que la production de Poiret s’inscrit dans un contexte impérialiste. La France des années 1910 est une puissance coloniale majeure, et la mode ne se développe pas en dehors de ces rapports de force. Les tissus ou les formes « exotiques » ne tombent pas du ciel : ils viennent de réseaux commerciaux fondés sur l’exploitation. Les motifs « venus d’ailleurs » ne sont pas des curiosités gratuites : ce sont des fragments de cultures vivantes, souvent niées, dominées ou méprisées par ceux-là mêmes qui les utilisent.

En refusant de problématiser cela, l’exposition ne se contente pas de célébrer Poiret : elle prolonge son geste. Elle valide, en 2025, l’idée qu’un créateur peut piller sans vergogne ce qu’il veut, tant que le résultat est « joli », « féérique », ou « onirique ».

Montrer, oui. Célébrer sans questionner, non.

Cancel Poiret ?

Faut-il pour autant oublier Poiret ? Non. Il fait partie de l’histoire de la mode, c’est même l’un des grands noms, et il mérite d’être étudié ou exposé. Mais le montrer, lui qui a tant pillé les autres cultures, sans recul, sans contrepoint, sans critique est une faute muséale grave à mon sens.

Une exposition responsable aurait pu :
– faire dialoguer ses œuvres avec celles de créateurs non-occidentaux des cultures concernées,
– contextualiser son travail dans un cadre colonial,
– interroger les héritages de l’orientalisme dans la mode contemporaine.

À la place, on nous invite à une fête sans conscience, sans mémoire et sans gêne.

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Vous voulez en apprendre plus sur la problématique de l’appropriation culturelle ? Filez acheter ce livre d’urgence ! (ou offrez-le à quelqu’un du MAD). Il est vraiment top, léger malgré un sujet lourd, et se lit très bien.

« L’appropriation culturelle
Histoire, domination et création : aux origines d’un pillage occidental »
par Khénaïs Ben Lakhdar aux éditions Stock

Vous pouvez d’ailleurs l’acheter >>ici<<

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« The Musée des Arts Décoratifs presents its first major monographic exhibition dedicated to Paul Poiret (1879–1944), an iconic figure of early 20th-century Parisian haute couture. Considered the liberator of the female body for having banished the corset, Paul Poiret revolutionized fashion. »

These are the opening words of the exhibition “Paul Poiret, Fashion is a Celebration”, currently on display at the MAD or Paris. I hesitated for a long time before going, because anyone living in the 21st century and interested in historical fashion knows that Paul Poiret is a highly problematic designer. I finally decided to see it before judging and… I walked out shocked by this unapologetic masterclass in colonialism and glorified cultural appropriation.

Let me explain :

—

Can Paul Poiret still be celebrated like this in 2025?

Short answer: NO

Poiret is often presented as a visionary, a bold artist who liberated women from the corset in the early 1900s. That’s certainly the story the Musée des Arts Décoratifs wants us to believe with its 2025 exhibition “Poiret, Fashion is a Celebration”. But with the critical tools of the 21st century — tools that help us unpack colonial power dynamics, orientalism, and cultural appropriation — this glowing, unnuanced celebration becomes deeply troubling.

And it starts right at the entrance :

Okayyyyyyyyy! What a tone — admiring, depoliticized, and uncritical. Poiret is hailed as a « king of fashion, » a « pioneer, » a « romantic figure. » It perfectly sets the tone for what follows: a wholehearted tribute to a man who gleefully plundered non-Western cultures, with not a single critical voice or acknowledgment of the “inspirations” without which he would have had very little to offer.

—

A walk through colonial fantasy

As the exhibit unfolds, the words guiding visitors through the rooms — “oriental fantasy,” “exoticism,” “dreamlike power,” “quest for authenticity” — reveal a continuing fascination with the colonial imagination. There’s not a word about colonization, power imbalance, or political context. We wouldn’t want to upset those who just came to admire pretty fabrics arranged tastefully, now would we?

The visitor is invited to gaze admiringly, without distance, at a white man who mined Asian and North African cultures to create “modern art” — and is praised for it.

“Mandchoue.” “Exotic.” “Martinique.” These are the names of Poiret’s dresses — and they speak volumes. They reduce entire cultures to fantasy silhouettes. And the museum labels? They make no real mention of any textile tradition or cultural dialogue. Perhaps because Poiret cared more about inventing “novelty” for his bored European elite clients than about respecting the cultures he borrowed from?

But MAD team — newsflash — this isn’t 1910 anymore.

To freshen things up, the exhibit places some of Poiret’s designs alongside pieces by modern designers who were “inspired by him.” So… let me get this straight: non-European cultures inspired Poiret, Poiret inspired contemporary designers, and the original cultures get no mention? Because fashion is serious business, and we don’t cite our sources, thank you very much. Oh, and to top it all off — some of the featured designers are themselves… highly problematic.

These are actual museum labels. I’m not making this up.

And now: pillaging disguised as an “artistic voyage”

Just when you thought it couldn’t get worse: Paul Poiret is presented as a curious explorer, a free spirit enriched by travel. His 1910 Mediterranean cruise — through colonized or semi-colonized lands — is described as a « research mission intended to serve fashion. » He “observes” turbans, sarouels, embroidery… and reinterprets them as he pleases.

This exhibit text illustrates, in the starkest terms, a romanticized colonial gaze and a shameless celebration of cultural appropriation, all wrapped up in a poetic quest for “authenticity.” Paul Poiret did not collaborate with local artisans. He did not credit his sources. He did not give back. He extracted, transformed, and signed everything with his name (because he was the boss, obviously).

An exhibition that perpetuates the colonial narrative

What the MAD seems to forget — or deliberately omit — is that Poiret’s work was entirely embedded in an imperialist context. France in the 1910s was a major colonial power, and fashion did not exist outside those systems of domination. The “exotic” fabrics and silhouettes didn’t fall from the sky — they came from trade routes built on exploitation. The “foreign” motifs weren’t harmless curiosities — they were fragments of living cultures, often silenced or despised by the very people who used them for fashion.

By refusing to interrogate this, the exhibition doesn’t just celebrate Poiret : it extends his gesture. In 2025, it validates the idea that a designer can shamelessly plunder whatever they want, as long as the final product is “pretty,” “whimsical,” or “dreamy.”

Show him? Yes. Celebrate him uncritically? Absolutely not.

Should we cancel Poiret altogether? No. He is part of fashion history, and one of the big names, and he deserves to be studied and shown. But to exhibit a designer who built his legacy on cultural plunder without critical context, without nuance, without counterpoints? That, to me, is a serious curatorial failure.

A responsible exhibition could have:
– Juxtaposed Poiret’s work with that of non-Western designers from the cultures he borrowed from;
– Placed his output within the framework of colonial history;
– Questioned the legacy of orientalism in contemporary fashion.

Instead, we’re invited to a party with no memory, no shame, and no self-awareness.

C’est officiel : vous me croiserez pas mal à l’atelier « Un Jour dans le Temps« , installé au Viaduc des Arts à Paris. Cet espace plein de charme, dédié à l’univers du costume et de l’imaginaire, devient désormais un lieu vivant, ouvert, créatif, où histoire, artisanat et passion se croisent au quotidien. Vous pourrez y louer des costumes de qualité auprès d’Emilie, vous y faire immortaliser costumés dans l’époque que vous préférez par Stéphane, et participer à des happenings autour du costume animés par moi-même.

En rejoignant cette aventure, je souhaite partager, transmettre et créer encore plus avec vous. Costumiers, passionné·e·s, curieux·ses : ce lieu est fait pour nous rassembler. En tout cas, nous allons tout faire pour

Et pour commencer en beauté cette nouvelle page, je suis ravie de vous inviter à notre tout premier grand rendez-vous public :

  Les Journées Européennes des Métiers d’Art, les 5 et 6 avril 2025 !

Viaduc des Arts – 69 avenue Daumesnil, Paris 12e
Samedi 11h–19h & Dimanche 11h–18h

 Venez découvrir le costume comme un métier d’art à part entière :
– Présentation de pièces anciennes (19e et Belle Epoque) et de reproductions,
– Explication des matières, techniques, inspirations,
– Échanges autour des savoir-faire du costume,
– Et beaucoup de surprises !
Lien vers l’event FB : https://www.facebook.com/events/1314586933167438/

Ateliers créatifs : fabriquez votre plumet !

Samedi 17h–19h | Dimanche 16h–18h
(Re)plongez dans la magie des accessoires de tête et repartez avec deux plumets décoratifs, pour décorer en quelques instants un chapeau ou une coiffure (comme sur l’image ci-dessous par exemple !).

Inscription en ligne obligatoire – places limitées – ici : https://la-compagnie-de-l-histoire-et-des-arts.assoconnect.com/collect/description/549111-l-atelier-de-creation-de-plumets
Participation symbolique | Réduction pour les membres du Club d’UJDLT

L’Apéro des Passionné·e·s de Costume – Samedi à 19h

Pour terminer la journée du samedi en beauté, on se retrouve en costume ou en civil autour d’un apéro participatif (chacun apporte un petit truc à boire ou à grignoter) pour :
– Partager nos projets,
– Si vous voulez de l’aide pour ajuster la coupe de votre costume du moment, c’est le moment d’apporter votre toile !
– Échanger conseils, idées et bonnes adresses,
– Et surtout passer un super moment entre gens passionnés !

Et après ?

Ce n’est que le début… Le local du Viaduc, via le Club d’Un Jour dans le Temps, va accueillir très régulièrement :
– Des ateliers techniques,
– Des événements costumés,
– Des shootings photos,
– Des conférences,
– Des tables rondes,
– Des stages créatifs,
– Et pas mal d’autres choses !!! 

En attendant d’en savoir plus, j’espère vous voir nombreux et nombreuses les 5 & 6 avril. Ce sera l’occasion de se rencontrer, de rêver ensemble et de lancer cette nouvelle aventure sous le signe du costume, de la transmission et de la création.

À très vite,
Fanny, pour Temps d’Élégance

Vous avez déjà participé ou allez participer aux Fêtes Galantes du Château de Versailles ? Alors rejoignez-nous à partir du 1er mai 2023 pour revivre cette soirée historique grâce à ce challenge photo ! Utilisez le hashtag #fetesgalanteschallenge pour partager vos meilleurs souvenirs, vos costumes les plus élaborés, vos coiffures les plus originales, et tout ce qui rend les Fêtes Galantes inoubliables en utilisant nos 30 thèmes proposés. Que vous participiez chaque jour, ou avec quelques images sur tout le mois, il suffit de poster une photo avec le thème correspondant au jour, d’expliquer votre choix et de ne pas oublier d’utiliser le hashtag #fetesgalanteschallenge pour que les autres participants puissent vous reconnaître le jour J.

Have you already participated or are you planning to participate in the Fêtes Galantes at the Château de Versailles? Then join us starting from May 1st, 2023, to relive this historic evening through this photo challenge! Use the hashtag #fetesgalanteschallenge to share your best memories, most elaborate costumes, most original hairstyles, and anything else that makes the Fêtes Galantes unforgettable, using our 30 proposed themes. Whether you participate every day or with a few images throughout the month, simply post a photo with the corresponding daily theme, explain your choice, and don’t forget to use the hashtag #fetesgalanteschallenge so that other participants can recognize you on the big day.

Deux vidéos ont été sorties la semaine dernière (cliquez sur « regarder sur YouTube » pour avoir la version d’origine) :

1/ Les sous-vêtements féminins sous l’Empire, des choses invisibles mais essentielles pour obtenir la bonne silhouette.

2/ Les différents types de robes sous l’Empire. Parce que l’on s’imagine souvent que les robes empire ce sont uniquement les tuniques simples, alors qu’il n’en est rien, il existe beaucoup d’autres types de robes.

En espérant que ça vous plaise !

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Et j’en profite aussi pour vous remercier toutes et tous pour votre aide avec MyCostume (>> Lien ICI<<) : nous avons réussi à dépasser le 1er palier ! Et sommes à plus de la moitié du second, qui permettra de dessiner vos futurs projets avec l’application. Merci à toutes et tous pour votre aide <3 On ne lâche rien et on verra jusque où on pourra aller

Hi ! I just launched a crowdfunding for a new big project I care : MyCostume (>> link HERE <<, sorry, it’s in French for the moment). It will be an app for mobile phones and tablets, which will allow all of us to think on our costume projects, whatever the historical accuracy level is. It’s for beginners as experts, the app will guide you for the shape of the costume, accessories, decorations, … It will allow you to save time in searchs. It will talk about french fashion as a start, but I will quickly switch to other countries (but will need the help of many of you for that, as it’s not my epxertise !).

Mais comme une vidéo vaut mieux que 1000 mots, voici le live de lancement de la campagne de Crowdfunding.

Et en seulement 2 jours nous sommes à 50% du financement ! Alors si vous pouvez aider : que ce soit un petit soutien financier ou un partage auprès de vos communautés. Je compte sur vous ! Comme ça elle pourra sortir dès janvier prochain, et sera dispo gratuitement.

We reached 50% in only 2 days ! I really hope we will be able to go until the last step, which will bring us to an english version as soon as next january.

Bonjour tout le monde !

J’ai le plaisir de vous présenter ma première vidéo (sur 5 au total) qui traite des modes empire chez les femmes. Oui, oui, j’utilise bien le pluriel ici, car, comme vous le verrez dans la vidéo, j’ai préféré parler des époques où l’on porte des « robes empire » plutôt que de me limiter à la mode sous le 1er Empire. Après tout, il y a de tout temps eu des personnes qui portaient les modes des saisons passées. Donc si on souhaite être historique il est même de bon ton que tout le monde ne soit pas « exactement à la dernière mode » parmi la bourgeoisie ! (et encore moins parmi le peuple)

Je prépare en réalité l’événement « Napoléon à Versailles » les 11 et 12 septembre prochain. Je serai en effet présente pendant le bal (infos ICI) et le samedi (infos ICI). Les détenteurices de billets pour le bal pourront en effet accéder aux festivités d’une des deux journées s’ils ont un vêtement historique. L’occasion de réviser intégralement le sujet avec vous !

Cette vidéo est donc la partie 1 de la présentation : L’évolution des formes des robes

Arrivera la semaine prochaine la vidéo « Le vêtement » qui parlera des sous-vêtements et des principaux types de robes Empire.  Puis, arrivera une vidéo reprenant ce qu’il faut savoir pour se lancer dans la couture d’une robe Empire (entre nous, c’est le type de robe le plus simple qui soit… à condition de savoir quelques petits trucs !). La vidéo suivante parlera des accessoires, et enfin il sera question de tout ce qui complète le costume (maquillage, coiffure, bijoux). Ensuite ce sera le tour des hommes.

De quoi être prête pour les commémorations de 2021 ou tout prochain événement se passant entre 1793 et 1829 ! Ah, et NON : cette mode va à tout le monde, quelque soit sa morphologie ! Petite, grande, ronde, mince. Si vous ne me croyez pas alors j’espère que ces 5 vidéos seront l’occasion de vous réconcilier avec cette période

Bonjour tout le monde !

Après “les questions à se poser avant de se lancer”, “le  matériel essentiel à avoir“ et “le matériel utile (ou pas)”, voici une petite vidéo pour vous aider à bien choisir votre machine à coudre pour faire des costumes historiques (et selon mon humble avis) : en espérant que ça puisse vous être utile et que ça vous plaira

Je vais ensuite mettre cette série en standby pour quelques mois, pour passer sur une nouvelle série de vidéos concernant « la mode sous le 1er Empire » : Femmes puis Hommes.

Bonjour tout le monde ! Aujourd’hui je continue enfin ma série sur ce qu’il vaut mieux savoir avant de commencer la couture historique. Après « les questions à se poser avant de se lancer » et « le  matériel essentiel à avoir« , voici « le matériel utile (ou pas) » pour finir mon tour d’horizon des investissements à faire :

N’hésitez pas à lire les commentaires : plein de personnes ont déjà donné pas mal d’idées sur certaines problématiques et quelques contre arguments très intéressants.

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Hi everyone ! Today I am sharing a new episode on my topic « how to start Historical sewing ». After « the questions you should ask yourself before starting » and « the mandatory material« , here is the « (un)useful material » video : 

Many people gave good advises on the french video, so do not hesitate to share your tips and maybe disagreement !

Next video will be about « how too choose wisely your sewing machine and mannequin » !