*** English version below ***

« Le musée des Arts décoratifs présente sa première grande monographie dédiée à Paul Poiret (1879-1944), figure incontournable de la haute couture parisienne du début du XXe siècle. Considéré comme le libérateur du corps féminin pour l’avoir décorseté, Paul Poiret a rénové la mode. »

Voici les quelques mots qui présentent l’expo « Paul Poiret, la mode est une fête » qui a actuellement lieu au MAD. J’ai longtemps hésité à aller voir cette exposition, car quiconque vit au XXIe siècle et s’intéresse à la mode ancienne sait que Paul Poiret est un créateur très problématique. J’ai finalement décidé d’y aller avant de juger, et… j’en suis ressortie choquée par cette master class de colonialisme décomplexé et d’appropriation culturelle glorifiée.

Explications :

Paul Poiret peut-il encore être exposé comme le MAD le fait en 2025 ?

Réponse : NON.

Poiret est souvent présenté comme un visionnaire de la mode, un artiste audacieux qui aurait libéré le corps féminin du corset au début du XXe siècle. C’est en tout cas le récit que nous propose le Musée des Arts Décoratifs (MAD) dans son exposition « Poiret, la mode est une fête », ouverte en 2025. Mais à la lumière des outils critiques du XXIe siècle, notamment ceux qui permettent d’analyser les rapports coloniaux, l’orientalisme et l’appropriation culturelle, cette célébration sans nuance interroge profondément.

Mais, commençons par le début, dès l’arrivée, nous sommes accueillis par ce texte :

Okayyyyyyyyy ! Et ça c’est du ton admiratif et totalement dépolitisé. Paul Poiret est qualifié de « roi de la mode », de « novateur », de « personnage romanesque ». Un joli résumé de ce que sera l’exposition : un hommage plein de ferveur pour cet homme qui a allégrement pillé les cultures non occidentales, sans jamais convoquer la moindre voix critique ni présenter ces « inspirations » sans lesquelles il ne serait rien.

Balade en plein colonialisme

On continue la visite. Les mots qui jalonnent le parcours — « fantasme oriental », « exotisme », « puissance onirique », « quête d’authenticité » — trahissent une fascination intacte pour l’imaginaire colonial. On ne parle ni de colonisation, ni de domination, ni même de contexte politique. Il ne faudrait pas fâcher les personnes qui veulent juste voir des belles étoffes arrangées avec goût sans se poser trop de questions. Le visiteur est invité à admirer, sans distance, un homme blanc qui a puisé dans les cultures d’Asie et d’Afrique du Nord, pour en faire de « l’art moderne » et être admiré pour ça.

« Mandchoue », « Exotique », « Martinique ». Des noms de robes qui racontent l’effacement de cultures entières, réduites à des silhouettes à fantasmer. Et les cartels ? Pas de réelle mention mention d’une tradition textile, aucun dialogue culturel : peut-être parce que, justement, Paul Poiret s’en souciait moins que créer de la « nouveauté » pour ses riches clientes européennes blasées par la mode européenne ? Mais dites-moi les équipes du MAD, on est plus au début du XXe siècle en fait.

Certes, pour dépoussiérer un peu le truc, l’expo appose en face des vêtements anciens des créateurs plus récents pour montrer à quel point Poiret a inspiré. Donc… pour résumer : la culture non-européenne a inspiré Poiret, et Poiret à inspiré des créateurs de mode modernes. Du balais les cultures en question, la mode est une chose sérieuse, on ne va pas vous citer quand même, non mais ! Et allons jusqu’au bout de la blague, étant donné que certains de ces créateurs sont, eux aussi, hautement problématiques.

Allez, on continue encore :

C’est qu’il nous manquait encore le pillage travesti en « voyage artistique » dites-donc ! Poiret est présenté comme un explorateur curieux, un esprit libre enrichi par les voyages. Sa croisière de 1910 en Méditerranée — à travers des territoires alors colonisés ou semi-colonisés — est décrite comme une « mission de recherche destinée à servir la mode ». Il y « observe » des turbans, des sarouels, des broderies, pour ensuite les réinterpréter à sa guise. Ce cartel illustre de manière frappante le regard colonial romantisé et l’appropriation culturelle revendiquée sans détour, sous couvert de “quête d’authenticité”. Paul Poiret ne collabore pas avec des créateur·ices locaux·les, il ne crédite pas ses sources, il ne restitue rien. Il prélève, extrait, transforme, et signe le tout de son nom (parce que c’est lui le boss on vous dit !).

Une exposition qui perpétue le récit colonial

Ce que le MAD semble oublier — ou taire délibérément —, c’est que la production de Poiret s’inscrit dans un contexte impérialiste. La France des années 1910 est une puissance coloniale majeure, et la mode ne se développe pas en dehors de ces rapports de force. Les tissus ou les formes « exotiques » ne tombent pas du ciel : ils viennent de réseaux commerciaux fondés sur l’exploitation. Les motifs « venus d’ailleurs » ne sont pas des curiosités gratuites : ce sont des fragments de cultures vivantes, souvent niées, dominées ou méprisées par ceux-là mêmes qui les utilisent.

En refusant de problématiser cela, l’exposition ne se contente pas de célébrer Poiret : elle prolonge son geste. Elle valide, en 2025, l’idée qu’un créateur peut piller sans vergogne ce qu’il veut, tant que le résultat est « joli », « féérique », ou « onirique ».

Montrer, oui. Célébrer sans questionner, non.

Cancel Poiret ?

Faut-il pour autant oublier Poiret ? Non. Il fait partie de l’histoire de la mode, c’est même l’un des grands noms, et il mérite d’être étudié ou exposé. Mais le montrer, lui qui a tant pillé les autres cultures, sans recul, sans contrepoint, sans critique est une faute muséale grave à mon sens.

Une exposition responsable aurait pu :
– faire dialoguer ses œuvres avec celles de créateurs non-occidentaux des cultures concernées,
– contextualiser son travail dans un cadre colonial,
– interroger les héritages de l’orientalisme dans la mode contemporaine.

À la place, on nous invite à une fête sans conscience, sans mémoire et sans gêne.

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Vous voulez en apprendre plus sur la problématique de l’appropriation culturelle ? Filez acheter ce livre d’urgence ! (ou offrez-le à quelqu’un du MAD). Il est vraiment top, léger malgré un sujet lourd, et se lit très bien.

« L’appropriation culturelle
Histoire, domination et création : aux origines d’un pillage occidental »
par Khénaïs Ben Lakhdar aux éditions Stock

Vous pouvez d’ailleurs l’acheter >>ici<<

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« The Musée des Arts Décoratifs presents its first major monographic exhibition dedicated to Paul Poiret (1879–1944), an iconic figure of early 20th-century Parisian haute couture. Considered the liberator of the female body for having banished the corset, Paul Poiret revolutionized fashion. »

These are the opening words of the exhibition “Paul Poiret, Fashion is a Celebration”, currently on display at the MAD or Paris. I hesitated for a long time before going, because anyone living in the 21st century and interested in historical fashion knows that Paul Poiret is a highly problematic designer. I finally decided to see it before judging and… I walked out shocked by this unapologetic masterclass in colonialism and glorified cultural appropriation.

Let me explain :

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Can Paul Poiret still be celebrated like this in 2025?

Short answer: NO

Poiret is often presented as a visionary, a bold artist who liberated women from the corset in the early 1900s. That’s certainly the story the Musée des Arts Décoratifs wants us to believe with its 2025 exhibition “Poiret, Fashion is a Celebration”. But with the critical tools of the 21st century — tools that help us unpack colonial power dynamics, orientalism, and cultural appropriation — this glowing, unnuanced celebration becomes deeply troubling.

And it starts right at the entrance :

Okayyyyyyyyy! What a tone — admiring, depoliticized, and uncritical. Poiret is hailed as a « king of fashion, » a « pioneer, » a « romantic figure. » It perfectly sets the tone for what follows: a wholehearted tribute to a man who gleefully plundered non-Western cultures, with not a single critical voice or acknowledgment of the “inspirations” without which he would have had very little to offer.

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A walk through colonial fantasy

As the exhibit unfolds, the words guiding visitors through the rooms — “oriental fantasy,” “exoticism,” “dreamlike power,” “quest for authenticity” — reveal a continuing fascination with the colonial imagination. There’s not a word about colonization, power imbalance, or political context. We wouldn’t want to upset those who just came to admire pretty fabrics arranged tastefully, now would we?

The visitor is invited to gaze admiringly, without distance, at a white man who mined Asian and North African cultures to create “modern art” — and is praised for it.

“Mandchoue.” “Exotic.” “Martinique.” These are the names of Poiret’s dresses — and they speak volumes. They reduce entire cultures to fantasy silhouettes. And the museum labels? They make no real mention of any textile tradition or cultural dialogue. Perhaps because Poiret cared more about inventing “novelty” for his bored European elite clients than about respecting the cultures he borrowed from?

But MAD team — newsflash — this isn’t 1910 anymore.

To freshen things up, the exhibit places some of Poiret’s designs alongside pieces by modern designers who were “inspired by him.” So… let me get this straight: non-European cultures inspired Poiret, Poiret inspired contemporary designers, and the original cultures get no mention? Because fashion is serious business, and we don’t cite our sources, thank you very much. Oh, and to top it all off — some of the featured designers are themselves… highly problematic.

These are actual museum labels. I’m not making this up.

And now: pillaging disguised as an “artistic voyage”

Just when you thought it couldn’t get worse: Paul Poiret is presented as a curious explorer, a free spirit enriched by travel. His 1910 Mediterranean cruise — through colonized or semi-colonized lands — is described as a « research mission intended to serve fashion. » He “observes” turbans, sarouels, embroidery… and reinterprets them as he pleases.

This exhibit text illustrates, in the starkest terms, a romanticized colonial gaze and a shameless celebration of cultural appropriation, all wrapped up in a poetic quest for “authenticity.” Paul Poiret did not collaborate with local artisans. He did not credit his sources. He did not give back. He extracted, transformed, and signed everything with his name (because he was the boss, obviously).

An exhibition that perpetuates the colonial narrative

What the MAD seems to forget — or deliberately omit — is that Poiret’s work was entirely embedded in an imperialist context. France in the 1910s was a major colonial power, and fashion did not exist outside those systems of domination. The “exotic” fabrics and silhouettes didn’t fall from the sky — they came from trade routes built on exploitation. The “foreign” motifs weren’t harmless curiosities — they were fragments of living cultures, often silenced or despised by the very people who used them for fashion.

By refusing to interrogate this, the exhibition doesn’t just celebrate Poiret : it extends his gesture. In 2025, it validates the idea that a designer can shamelessly plunder whatever they want, as long as the final product is “pretty,” “whimsical,” or “dreamy.”

Show him? Yes. Celebrate him uncritically? Absolutely not.

Should we cancel Poiret altogether? No. He is part of fashion history, and one of the big names, and he deserves to be studied and shown. But to exhibit a designer who built his legacy on cultural plunder without critical context, without nuance, without counterpoints? That, to me, is a serious curatorial failure.

A responsible exhibition could have:
– Juxtaposed Poiret’s work with that of non-Western designers from the cultures he borrowed from;
– Placed his output within the framework of colonial history;
– Questioned the legacy of orientalism in contemporary fashion.

Instead, we’re invited to a party with no memory, no shame, and no self-awareness.

Last night, I had the chance to attend the opening night of the exhibition “WORTH, Inventing Haute Couture” at the Petit Palais, and I wanted to share my visit with you because this exhibition is truly worth seeing. This magnificent retrospective, on view until September 7, 2025, pays a vibrant tribute to the man often considered the very first grand couturier in fashion history — and it shines a spotlight on the entire Worth family, who continued designing for several decades.

Les robes exposées couvraient de nombreuses périodes : de la crinoline au début de la Belle Époque, en passant par les tournures sculpturales, chaque silhouette exposée est une œuvre d’art à part entière. J’ai pu prendre de nombreuses photos lors du vernissage, et vous en offre un petit aperçu ici – même si rien ne vaut, bien sûr, l’émotion du face-à-face ! Zooms sur les broderies, détails de corsages, jeux de plis et de matières : chaque cliché célèbre (j’espère) le savoir-faire de la Maison Worth et de ses ateliers.

The gowns on display span many eras: from crinolines to the early Belle Époque, including sculptural bustles — each silhouette is a true work of art. I was able to take many photos during the opening night, and I’m sharing a small preview here (though of course, nothing compares to seeing them in person!). Close-ups of embroidery, bodice details, pleats and fabric textures — each image, I hope, celebrates the incredible craftsmanship of the Worth atelier.

Le parcours de l’exposition est fluide, didactique et inspirant pour les passionnés de vêtements historiques. On y découvre non seulement les chefs-d’œuvre textiles, mais aussi des croquis, des portraits de clientes, des archives, et même certains éléments du contexte social et artistique de l’époque. La Maison Worth habillait les plus grand noms de l’aristocratie et de la bourgeoisie de l’époque et a littéralement inventé la mode telle que nous la connaissons aujourd’hui, avec ses saisons, ses modèles, ses salons.

The exhibition layout is fluid, informative, and truly inspiring for lovers of historical clothes. Beyond the stunning garments, you’ll find sketches, client portraits, archives, and insights into the social and artistic context of the time. The House of Worth dressed the most prestigious names of the aristocracy and bourgeoisie, and quite literally invented the modern fashion system: seasonal collections, signature models, and the very concept of the fashion house.

Ce qui frappe, c’est la modernité de certaines pièces :

What struck me most is the modernity of some of the designs :

C’est l’occasion d’admirer la délicatesse des associations de matières, la rigueur des coupes et le sens des détails. Même plus d’un siècle plus tard, ces créations continuent de fasciner. Si vous aimez la mode ancienne, l’histoire du costume ou simplement la beauté des vêtements haute couture, ne manquez pas cette exposition. Elle est riche en pièces somptueuses et vous laissera, comme à moi, des étoiles plein les yeux !

It’s a unique opportunity to admire the delicate pairing of fabrics, the precision of the cuts, and the attention to detail. Even more than a century later, these creations still captivate and inspire. If you’re passionate about historical fashion, costume history, or simply the beauty of haute couture craftsmanship, don’t miss this exhibition. It’s full of extraordinary pieces — and will leave you, as it did me, starry-eyed!

Je vais diffuser plus de photos sur mes pages Facebook et Instagram ces prochains jours, n’hésitez pas à y jeter un coup d’oeil !
(P.S. : Quelle est votre robe préférée parmi mes photos ? Dites-le-moi en commentaire !)

I’ll be sharing more photos over the next few days on my Facebook and Instagram pages, so feel free to have a look!
(P.S. — Which gown is your favorite among my photos? Let me know in the comments!)

Hello everyone ! First article about one of the costumes displayed in the Art Museum of Nantes, for the exhibit « L’Art de paraître au 18e siècle » (we could translate it by « The Art of appearing during the 18th century ») -see my article HERE or the museum website HERE). This dress (a « robe à la française ») belongs to the Palais Galliera, the fashion museum of Paris city (many thanks to this museum and to Nantes museum for the photos I can share with you today !).

Commençons par le tissu ! Nous trouvons cette description très précise sur la base de données de Paris musées (ICI) : « guirlandes de fleurs et de dentelles, ondulées et disposées dans le sens vertical, ponctuées de fleurs isolées et de bouquets de fleurs ». Il s’agit d’un cannetillé broché de soie assez typique de la 2e moitié du règne de Louis XV (vers 1755-1765 plus exactement, dans le pur style Lyonnais), ce qui nous donne une idée assez précise de la date de création de la robe, et ça tombe bien : les robes à la française avaient encore la cote à cette époque-là !

Let’s start with the fabric ! A very precise description can be found on Paris museum’s data basis (HERE) : « garlands of flower and lace, wavy and vertically displayed, interspersed with isolated flowers and with flower bouquets « . It’s a cannetillé silk brocade which is very typical from the 2d part of the reign of Louis XV (circa 1755-1765 more precisely, from Lyon), which gives us a quite precise idée of when the dress was made. And it matches with the fact that  » robes à la française » were still very fashionable during those era !

La robe a la française a plusieurs caractéristiques que l’on retrouve ici :
– Une jupe d’un côté, et le manteau de robe de l’autre,
– Un manteau au dos garni de plis (que l’on appelle souvent « pli Watteau » par abus de langage),
– Les manches en pagode doublées d’un taffetas de soie bleu.

The « robe à la française » has several features that we can find here :
– A skirt on one side, and the « manteau » on the other side,
– The back of the « manteau » has several pleats (often imprecisely called « Watteau pleat »),
– Pagoda sleeves lined with a nice blue taffetas.

Voici la jupe à plat, qui forme un grand rectangle, et une fois la coulisse resserrée :

Here is the skirt, displayed flat, and when casing is tighten :

Le musée Galliera indique que le montage de la ceinture a été refait, mais on voit bien l’ingéniosité du système qui permet d’adapter la jupe aux paniers, et aussi que les décorations ou le tissu de qualité ne se trouvent qu’aux endroits visibles (le tissu saumoné ne sera pas visible une fois le manteau porté).

Galliera museum indicates that belt mounting has been redone, but we can see the ingenuity of the system as it allows to adapt the skirt on the hoops. The decorations and expensive fabric can only be seen on visible places (the pink fabric will be unoticeable one the « manteau » worn).

La photo suivante montre magnifiquement le détail du dos et des manches :

The following photo shows the details of the back and the sleeves :

Bref, jusque là nous sommes sur une robe typique des années 1755-1765 mais… ça va se corser à partir de maintenant !

Well, we are on a very typical dress from years 1755-1765 but… things will be more tricky from now !

Le devant est vraiment typique des années 1785, ce qui nous fait un joli gap de 20 ans avec le reste de la robe ! Les compères (ce sont des parties qui ferment le devant) sont vraiment postérieures à la date supposée de la robe. Elles sont décorées de pattes qui s’agrafent, et forment une ligne de taille sans pointe, ce qui ne se voit pas avant les années 1780. Elles sont aussi garnies de sourcils de hannetons en soie, ce qui est très démodé à ce moment-là.

The front is very typical of the years circa 1785, so we have a 20 years gap with the rest of the dress ! The « compères » (the closure pieces on the front of the dress) are subsequent to the supposed fabrication date of the dress. They are decorated with straps that fasten with hooks and eyes, and design a flat waistline, which is something we don’t see before the 1780’s. They are garnished with silk fly fringes, which is already out of fashion too.

Il y a donc deux possibilités :
– Soit la robe a été faite en 1755-1765, et a été retouchée 20 ans plus tard pour être remise « à peu près » au goût du jour,
– Soit elle a été faite dans les années 1780 avec un tissu démodé, et bien que les robes à la française soient, elles aussi, démodées.
Je ne sais pas si le musée Galliera a plus d’informations quant à sa date, et si ce n’est pas le cas alors nous ne saurons peut-être jamais laquelle de ces possibilités est la bonne !

There is two possibilities :
– The dress has been made in 1755 to 1765, and has been altered 20 years later, to match better with new fashions,
– Or the dress has been made in the 1780’s with an old-fashionned fabric, and whereas « robes à la française » were already outdated too.
I don’t know if Galliera museum have more informations about the manufacturing date, and if they don’t then we could never know what is the solution !

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Bibliographie :
– Domyo, Mihoko (1994). Soierie de Lyon et de l’Europe . Tokyo : Musée du costume Bunka Gakuen.
– Le Brun, Jean Antoine (15 novembre 1785 – 1^er novembre 1786). Cabinet des modes. Paris : Buisson.

Hi everyone ! I am back to share with you a must-see exhibition in France, talking about 18th century fashion. It’s in the Art Museum of Nantes until next March 2022, the 6th (after, it will move to Dijon -east of France-).

Je n’ai pas encore pu y aller, mais j’ai pu jeter un coup d’oeil sur le catalogue, et j’avoue qu’il m’a mis l’eau à la bouche. Les sujets abordés dedans sont très intéressants et assez peu traités par ailleurs ! C’est pourquoi je vais vous proposer d’en gagner des exemplaires grâce à 2 concours sur les réseaux sociaux en décembre et en janvier (en partenariat avec le musée).

I’ve not been yet, but I took a look at the exhibition catalogue, and what a book ! Topics are very interesting, and quite new ! That’s why I will organize 2 giveaways in december and january, and you will be able to win the catalogue (it will be in French I guess, but it’s full of pictures in case you don’t read french) thanks to a collaboration with the Art Museum of Nantes.

Voici déjà les règles du 1er concours qui parlera « coiffure » ! Si vous voulez participer (que vous soyez un homme ou une femme) :
– Entre le 11 et le 21 décembre, vous postez sur instagram une image où l’on vous voit porter l’une de vos coiffures 18e avec le hashtag #coiffuremode18e (mais vous pouvez le faire chaque jour avec des images différentes si vous souhaitez augmenter vos chances !). Cela peut être avec vos vrais cheveux ou une perruque, peu importe.
– Le 22 décembre, je sélectionnerai mes images préférées (10 au max) que je reposterai sur ma propre page FB (avec votre crédit en légende) et on laissera le nombre de « likes » décider qui gagne. Je compterai ces « likes » après 1 semaine (soit une fin le 29 décembre).
– Le/la participant-e dont la photo aura récolté le plus de likes remportera le 1er catalogue de l’expo mis en jeu.
Le concours suivant sera en janvier 2022, et il sera cette fois-ci question de… cosmétiques (soit de « maquillage » 18e). Mais je vous en reparlerai d’ici-là !

Here comes the rules for the 1rst giveaway, and it will be about « hairstyle » ! If you want to join (doesn’t matter if you are a man or a woman) you just have to :
– From the 11th to the 21th of December, you post a photo of yourself on instagram, with your favorite 18th century hairstyle (it can be made with your own hair, or with a wig) and you add the hashtag #coiffuremode18e (you can do it everyday if you want to increase your chance !).
– On the 22th of December, I will choose my favorite photos (10 max) that I will repost on my own FB page (with your name below) and the number of « likes » will show us who the winner is. I will count the number of « likes » after 1 week (deadline : 29th of December).
– The winner will win the first catalogue of the exhibition.
Next giveaway will be in january 2022 about cosmetics (= 18th century make-up). But I’ll talk about it later !

Mais ce n’est pas tout ! Car l’expo réunit 200 objets environ, et je ferai -d’ici à la fin de l’expo Nantaise- divers articles de blog où je ferai des focus sur des pièces présentées grâce à des images détaillées.

But that’s not all ! As the exhibition gathers almost 200 items, I will write several blog articles with focus on some costumes, thanks to detailed pictures.

Pour en savoir + : Musée d’Arts de Nantes et Palais Galliera.

I am going to talk about a must-see exhibition if you are around Paris before february the 23th : « L’étoffe de ma Garde-Robe » (which you can translate as « the Fabric of my wardrobe ») at the « musée de la toile de Jouy » in Jouy-en-Josas. You will find more informations on their website, HERE. And all my photos : HERE.

Vous y trouverez beaucoup de très jolies pièces, montrant les goûts français en matière de cotonnades peintes et imprimées depuis le 18e siècle jusqu’à nos jours. Un domaine assez peu connu et reconstitué dans le milieu du costume historique, et c’est bien dommage (même si c’est compréhensible : c’est un sujet risqué ! Les motifs changent souvent). Quelques exemples de robes exposées : (cliquer pour agrandir)

You will discover a lot of nice outfits, showing the french taste in painted and printed cotton cloth since the 18th century until now. It’s not a very well known subject in reenactment (because it’s a risky choice -patterns change very often-), and it’s too bad. Few examples of dresses disclosed : (click to enlarge)

Il y a aussi des costumes masculins, moins que pour le nombre de costumes féminins, mais ça reste impressionnant :

There is men outfits too, less than women outfits, but it’s still impressing :

L’exposition est très réussie : outre un sujet rarement traité, le choix des pièces est intéressant, et le mannequinage est bien fait. Les formes sont en effet globalement respectées, et les personnes ayant fait le montage de l’exposition ont eu la bonne idée de faire quelques pliages de papier pour remplacer les parties manquantes de l’habillement. Le visiteur peut donc avoir une idée d’ensemble du rendu final tout en identifiant rapidement ce qui est d’époque de ce qui est moderne :

The exhibition is very good : the subject is not often disclosed, the choice of the items is interesting, and the modeling is well done. The shapes are broadly accurate, and the people that made the set up had the good idea to make some paper foldings to replace the missing parts of the outfit. It’s easier to have good idea of the final render, and identifying the modern adds :

J’ai lu sur internet quelques commentaires désagréables sur l’exposition : ça m’a hérissé le poil, je l’avoue. Déjà, monter une exposition de ce genre ça coûte très cher et le Musée de la Toile de Jouy n’a pas le public (ni les finances) du MAD de Paris. Ensuite, ce sont des choix d’exposition, et je regrette que certaines personnes qui ne font rien (ou pas grand chose) se permettent de donner des leçons sur le sujet. Exposer le costume ce n’est pas simple. Par exemple, ici le manteau de robe a été modifié une bonne décennie après sa confection (cela se faisait beaucoup à l’époque : on recyclait !). Il a été choisi de l’exposer avec l’ensemble initial. Il aurait été possible de l’exposer à côté du reste du vêtement car la coupe n’est plus la même, mais aucune solution n’est idéale : dans un cas on a deux périodes sur un même mannequin, dans l’autre cas on a deux silhouettes incomplètes !

I read on the internet some very unpleasant comments about the exhibit : it drove me mad, I must admit it. First, creating an exhibit costs a lot and the « Musée de la Toile de Jouy » doesn’t have the audience (or the wealth) of a MET museum. And, exhibition choices have been made, too bad that some people that does nothing allow themselves to say « how it should be done ». Dressing up an historical outfit is not easy. For exemple, here, the manteau de robe (the outter part of the dress) have been updated more than a decade after the whole outfit was done (they used to recycle !). The museum decided to display the manteau de robe with the whole outfit, creating a silhouette with two periods on it. They could have decided to dress two silhouettes : one with the under outfit and the other one with the outer outfit, but both would have been incomplete. There is no good solution !

J’ai eu la chance d’être accueillie par Alexia Fontaine, la responsable scientifique du musée, pendant le montage (et grâce à l’intermédiaire de Julie D., un grand merci à elle aussi ! <3 ), il ma été permis de relever des patrons et d’examiner certaines pièces venant de la famille Oberkampf en détail. Ce fut l’occasion de découvrir des pièces avec des histoires passionnantes, qui m’ont révélé beaucoup de choses sur leurs propriétaires. Entre autre, le corsage aux Iris vers 1780 (voir photo ci-dessous) dont il y a beaucoup à dire. Un grand merci à toute l’équipe du musée pour leur accueil et leur disponibilité !

I had the luck to be welcomed by Alexia Fontaine, scientific responsible of the museum, during the set up of the exhibit (and thanks to Julie D, a big thank to her too !), and was allowed to record the patterns and studying some outfits coming from the Oberkampf family. It was a good occasion to discover items with very interesting stories, that revealed many things about their owners. For exemple, the « iris bodice », mid-1780’s, (see photos below) on which I have many things to say. Thank you very much to the whole team of the museum for their welcome and availability.

Ah, et enfin : achetez le catalogue de l’exposition. Ce seront 22€ très bien dépensés, car l’ouvrage est vraiment intéressant. (oui, je sais, généralement je déconseille les catalogues mais celui-ci est vraiment bien !)

Ah, and a last word : buy the exhibition’s catalogue ! It will be 22€ well spent, because the book is very interesting. (yes, I know, I often advise not to buy catalogues, but his one is very good).

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Cet été j’étais allée voir « Anatomie d’une collection » au palais Galliera puis « Fashion Forward » aux Arts Décoratifs et (honte à moi) j’ai fait la critique de la seconde exposition uniquement (il faut dire que j’en étais sortie très remontée !). Le temps passe et… toujours aucune critique de la première exposition visitée. Mais comme elle est prolongée alors je me dis que c’est le moment de m’y mettre, enfin !  

First of all, I want to thank all the people who help me on Tipee ! Even 1€/month means a lot to me and allow me to visit exhibitions like the one I am talking about in this article. And a very big « thank you » to Emily Maynard for the translation you are about to read !

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This past summer, I went to see « The Anatomy of a Collection » at the Palais Galliera followed by “Fashion Forward” at the Arts Décoratifs for which I have already written a review. You could say I was pretty pissed off about that! Yet, time passed and a review about « The Anatomy » never showed up. So, since the exhibition is still showing, I told myself that it was time to write one!

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[Et pour voir toutes mes photos, c’est ICI que ça se passe !]  

I’ll write an exhibition review for « Fashion Forward » in Paris Arts Décoratifs museum today. Just a clarification before thinking I desesperatly pick on this exhibition : I liked it, and if you did not manage to go and see it before it ends this sunday (august, the 14th) then it’s too bad for you because it really worthed seeing it. However, some aspects saddened me for real. I really like this museum, which is a world reference, but some mistakes (or eases ?) made on this exhibition seem hardly forgivable for a museum of this scale. I would have closed my eyes for a small museum that cannot afford a costume historian, but not here : showing false informations is a problem for me. But I’ll talk about it later.  This article will first tell you more about the exhibit itself, what I liked, my dampers and my red cards.

[And if you want to see all my photos, it’s all HERE !]

L’exposition présente l’histoire de la manufacture de 1752 à la révolution française, ce qui permet… de voir les volumes ! Tout d’abord les volumes des costumes (les corsages des robes avant tout), même si le 18e siècle est moins sujet aux visions fantasmées que peut l’être la renaissance (si c’est cette dernière période qui vous intéresse alors n’hésitez pas à aller voir des sculptures -sur les gisants de la basilique St Denis par exemple-, vous pourrez constater que l’on est loin des corsages très rigides montrés par les peintres, plus soucieux de représenter les canons de beauté de l’époque que la véritable forme des robes…).
The exhibition shows the factory’s story from 1752 until the French revolution, and allows to see… the shapes ! First of all, the costumes’ shapes (the bodices are the most interesting) even if the 18th century is less fantasized than renaissance can be it (if this early period interests you then do not hesitate to look at sculptures, you will be able to notice that bodices were not always very stiff, as shown by the painters who were more worried of representing the period’s canons of beauty than showing the real shapes).

Et surtout : les coiffures ! Car sur les tableaux et gravures il nous manque la vision en « 3D », or il s’agit d’œuvres d’art tout en volume. Voici quelques exemples :
And most of all : hairstyles ! Because the « 3D » vision is missing on paintings and prints, whereas it’s a real piece of art full of shapes. Some examples :

Voilà, donc il y a bien des choses à aller voir pendant l’expo (et même après, car elle se termine bientôt, le 18 janvier 2016). Bref, pour exercer son oeil sur les formes d’époque il vaut mieux ne négliger aucun support artistique !
There is a lot of things to see during the exhibition (and even after, because it ends soon, january 2016 the 18th). You should try not to put aside some art forms if you want to exercise your eye to period shapes !

Worth, robe d’intérieur ou tea-gown, vers 1897. Velours ciselé bleu foncé sur fond de satin vert, dentelle de Valenciennes. Une merveille !

Non, il ne faut pas vous pencher madame : vous projetez votre ombre sur le cartel que vous tentez de lire. Ah, si vous ne vous penchez pas alors vous n’arrivez pas à lire car c’est écrit en trop petit ? Bienvenue au club, je n’ai pas trouvé de solution en ce qui me concerne.

La comtesse était une véritable fashion-victim jusqu’à un âge vénérable. A gauche : années 20 / A droite : années 30 (elle a alors 70 ans !)

Salon d’honneur

A gauche : une robe à tournure rebrodée d’iris qui met en valeur la taille très fine de la comtesse (maison Soinard, 1887). A droite : la robe byzantine rebrodée de perles portée pour le mariage de sa fille (Worth, 1904).

Grande galerie
Prolongement de la première salle : de nouvelles robes entre 1900 et les années 30, ainsi que quelques factures. Ce sont principalement des robes de dîner et des robes du soir, qui se veulent plutôt sombres (mais pas que).

Beauchez, robe du soir à transformation et à deux corsages (mais où est passé le second corsage ?) vers 1900. Velours de soie bleu nuit et marron, dentelle mécanique, mousseline de soie et tulle écrus, broderies de perles et paillettes

Robe de soirée (1913), satin de soie et tulle rebrodé de paillettes.

Petite galerie Est

Gants longs 1er Empire, éventails et épingle à cheveux Art Nouveau (début XXe)

Petite galerie Ouest

A gauche : robe de bal et manteau en agneau de Mongolie pour la fin du 19e. A droite : la comtesse porte la robe de son ancêtre, Mme Tallien.

Salle Carrée
La pièce la plus impressionnante trône dans cette salle, bouquet final de l’exposition avec cette robe de chez Worth brodée de l’emblème de la comtesse, le lys.

Worth, robe du soir dite « Robe aux lys », vers 1896 (robe remaniée ultérieurement). Velours noir, applications de soie ivoire en forme de lys rebrodées de perles et de paillettes métalliques. A gauche : la robe immortalisée avec sa propriétaire par Paul Nadar.

Et vous, allez-vous y aller ? Si vous allez la voir, qu’est-ce que vous avez pensé de l’exposition ? Je vous laisse la parole dans les commentaires !